Coloreando un personaje
Escrito por Valerio VegaMiércoles, 10 de Abril de 2013 21:52
¡Saludos Neopixel! Ésta vez inicio con una mecánica que podremos explorar de vez en cuando; procesos creativos. Ayuda mucho para ver cual es el vínculo entre lo técnico y lo creativo al desarrollar personajes.
Para una página de sketches, realicé al personaje de Ahsoka Tano. Realmente fue por diversión y dibujar un poco para practicar. Por lo mismo no hubo una dirección que tomar en un principio, solo fue imaginar al personaje y adaptarlo a un estilo que me pareciera cómodo. Por ello el dibujo tiene calidad de línea, cierto nivel de detalle (pero no demasiado), y aunque el personaje de la serie es como caricaturesco.. prefería dibujar más grande a la chica y con ligeros cambios en el diseño de la misma.
¿Cómo?
Primero tracé con un lápiz 5H de forma muy ligera.. encontrando la silueta principal del personaje, y posteriormente agregando detalles. Después pude remarcar (aunque también de forma ligera), algunos rasgos en rostro con lapicero HB. Finalmente con Pitt Pens el entintado.. comenzando con la línea más gruesa, y avanzando en los detalles con graduaciones más finas.. desde B hasta S.
El proceso natural antes de colorear digitalmente (en la mayoría de las ocasiones), es limpiar la imagen. Para ello el dibujo fue escaneado a 600 dpi en modo RGB, que es el modo en el que trabajo usualmente. El sustrato es cartulina opalina y no borré el lápiz antes de escanear.. se me imagina irrelevante.
¿Cómo?
Hay varias formas de eliminar polvo, líneas indeseables, y crear contraste. La verdad es que uso todas en pequeñas proporciones. La principal es usar los Levels, donde se muestra el histograma de los valores que tiene la imagen entre 0 y 255; encontrando el punto más oscuro de la imagen.. y de ahí al más claro.
A veces es muy simple (como fue con ésta imagen), solo se desplaza ligeramente el input izquierdo a la derecha, y el input derecho a la izquierda.. de modo que se eliminan los extremos en puntos oscuro y claro. Si la imagen requiere un contraste un poco más grande, puede afinarse con el input central; desplazando para crear más oscuridad o claridad. Si la imagen tiene mucho trazo a lápiz, o tiene que limpiarse a fondo.. mejor hago uso (después de estos pasos), del Dodge Tool, para aclarar a placer por zonas específicas. Solo en casos muy severos, pinto encima de la línea para trazar de nueva cuenta.
Un software que me agrada bastante, es Corel Painter.. lo conocí en su versión 6 brevemente y me pareció interesante.. después que lo adquiriera Corel, no mejoró mucho. Tenía desempeño pobre y era incompatible con Photoshop en general. Pero en las últimas versiones, ha ganado gran compatibilidad, además de mejorar en cada entrega los pinceles. Siempre es grato experimentar en Painter.
¿Cómo?
El editor de pincel, es una de las herramientas que más me gustan de Painter. Puedes mezclar pinceles diferentes, y crear comportamientos, según inclinación, velocidad, tamaño, etc.. y a partir de estos, crear más.. En la imagen, estoy usando una modificación de óleo, que tiene buen nivel de combinación, según fondo. Nota como el mismo pincel, puede pintar, o mezclar. Simplemente cambiando un parámetro (la resaturación). Eso vuelve muy flexible el pintar, y es algo de lo que carece Photoshop.. aunque, bueno, a pesar de las similitudes, creo que son softwares distintos.
¡Ah! Soy esclavo del pin-up.. justo como muchos aspirantes a ilustradores. Al ser una mecánica rápida de una página.. vaya; no dibujé fondo. Pero reconozco que es algo malo, pues un personaje debe estar contextualizado visualmente. En fin, para esos fondos ladinos y efímeros; texturas.
¿Cómo?
He coleccionado pinceles de muchos lugares.. pero el principio es el mismo en éste caso. Ya sea que encuentres el pincel, o que lo hagas.. para generar texturas, lo mejor es obtener el pincel mismo de una textura. Ya sea que la dibujes de forma tradicional o digital; trata de que sea simple.. pues al tener parámetros de repetición, rotación, etc.. creará figuras nuevas en cada trazo. Justo como ves en la imagen, es bueno procurar que los pinceles tengan sensibilidad a la presión; variando tamaño y/o opacidad.
La ilustración va tomando forma, es tiempo de darle el tratamiento lumínico. Esto es justificar los colores de la imagen según el ambiente en el que se sitúa el personaje.
¿Cómo?
Existen también, varias formas. Desde filtrar algún color, o añadir una textura ajena.. pintar cada color directamente. Una forma que me gusta bastante, es usar Curvas. Es parecido al manejo del histograma que vimos antes, solo que ahora se modifica cada canal en la imagen. Por ejemplo en la ilustración de Ahsoka; RGB.
Se enfatiza de forma muy contundente el espectro del color en la imagen; sustrayendo de los canales complementarios al añadir contraste. Es decir, si aumenta el canal R.. disminuyen en esa proporción los canales G y B. Esto también ayuda a controlar el efecto de Dot Gain en impresos: eso ocurre cuando la imagen se emplasta, y los colores oscuros se pierden y parecieran negros o muy oscuros.
Conforme manejes las curvas de cada canal, podrás descubrir nuevas formas de controlar el color y las condiciones lumínicas de la imagen. Al ser un filtro.. puedes pasarlo a otros personajes, otros fondos, otros archivos, y siempre aplicará los mismos efectos, ayudando a dar coherencia cromática a los proyectos.
En general, la imagen estaba muy oscura.. por lo que ahora se añadieron luces, tanto generales como en detalles muy pequeños. No puedo mentirte y decirte que fue planeado.. pero también es cierto que hay una intención en esa forma de tratar la luz. Me explico.. La intención del claro-oscuro, es revelar la silueta de los elementos en composición. Generalmente, al pintar; si comienzas con las sombras.. las luces se vuelven los detalles para finalizar. Y por el contrario, como en las técnicas aguadas donde se conserva el blanco del sustrato.. pintas la sombra porque la luz ya está en el papel. Cuando al avanzar en esta ilustración, me dí cuenta que la imagen estaba quedando oscura... lo que siguió fue revelar los detalles de luz. Accidente no planeado.
¿Cómo?
Para los elementos particulares y de mucho detalle, utilizo éste tipo de pinceles. Lo importante es que sean sensibles a la presión, y con figuras redondas que permitan controlar los degradados. Los trazos van a lo largo de los bordes, relieves o elementos que se distingan y que probablemente reflejen (o refracten) más luz.
Para los elementos en general y grandes áreas de luz, uso los pinceles suaves, con amplio rango en degradado. Generalmente los trazos son de poca opacidad (casi siempre con Linear Dodge) y sin restringirlos.. a veces algún trazo saldrá del límite de la silueta; creando halos en las figuras.
Es tiempo de revisar los detalles, pues nos acercamos al final de la ilustración. Y uno de los puntos importantes es integrar las nuevas luces que aplicamos a la figura.
¿Cómo?
Nuevamente usamos Curvas. Definiendo por completo la intención lumínica y cromática del personaje. Soy algo recurrente a éstas curvas.. R alto.. subiendo ampliamente para que sea el color dominante. G bajo, pues quita calidez al color.. Excepto en luces (que es el lado superior derecho), para que los puntos de más luz, se acerquen más al blanco. Finalmente en B, nota como la curva sube del lado de la sombra (inferior izquierdo), pero baja del lado de la luz.
El resultado final es la siguiente imagen. El tiempo total de realización (incluyendo el dibujo en opalina) fue de aproximadamente 6 horas.
Espero que te pareciera interesante el tema, nos leémos la próxima semana. ¡Dibujar es conocerse!
Valerio Vega. Creando ilustraciones y cómics que brillan. Al igual que todos, tiene su propia teoría de lo que pasó en Inception.
valeriovega.com
twitter:@valeriovega
facebook/art.valeriovega
Para una página de sketches, realicé al personaje de Ahsoka Tano. Realmente fue por diversión y dibujar un poco para practicar. Por lo mismo no hubo una dirección que tomar en un principio, solo fue imaginar al personaje y adaptarlo a un estilo que me pareciera cómodo. Por ello el dibujo tiene calidad de línea, cierto nivel de detalle (pero no demasiado), y aunque el personaje de la serie es como caricaturesco.. prefería dibujar más grande a la chica y con ligeros cambios en el diseño de la misma.
¿Cómo?
Primero tracé con un lápiz 5H de forma muy ligera.. encontrando la silueta principal del personaje, y posteriormente agregando detalles. Después pude remarcar (aunque también de forma ligera), algunos rasgos en rostro con lapicero HB. Finalmente con Pitt Pens el entintado.. comenzando con la línea más gruesa, y avanzando en los detalles con graduaciones más finas.. desde B hasta S.
El proceso natural antes de colorear digitalmente (en la mayoría de las ocasiones), es limpiar la imagen. Para ello el dibujo fue escaneado a 600 dpi en modo RGB, que es el modo en el que trabajo usualmente. El sustrato es cartulina opalina y no borré el lápiz antes de escanear.. se me imagina irrelevante.
¿Cómo?
Hay varias formas de eliminar polvo, líneas indeseables, y crear contraste. La verdad es que uso todas en pequeñas proporciones. La principal es usar los Levels, donde se muestra el histograma de los valores que tiene la imagen entre 0 y 255; encontrando el punto más oscuro de la imagen.. y de ahí al más claro.
A veces es muy simple (como fue con ésta imagen), solo se desplaza ligeramente el input izquierdo a la derecha, y el input derecho a la izquierda.. de modo que se eliminan los extremos en puntos oscuro y claro. Si la imagen requiere un contraste un poco más grande, puede afinarse con el input central; desplazando para crear más oscuridad o claridad. Si la imagen tiene mucho trazo a lápiz, o tiene que limpiarse a fondo.. mejor hago uso (después de estos pasos), del Dodge Tool, para aclarar a placer por zonas específicas. Solo en casos muy severos, pinto encima de la línea para trazar de nueva cuenta.
Un software que me agrada bastante, es Corel Painter.. lo conocí en su versión 6 brevemente y me pareció interesante.. después que lo adquiriera Corel, no mejoró mucho. Tenía desempeño pobre y era incompatible con Photoshop en general. Pero en las últimas versiones, ha ganado gran compatibilidad, además de mejorar en cada entrega los pinceles. Siempre es grato experimentar en Painter.
¿Cómo?
El editor de pincel, es una de las herramientas que más me gustan de Painter. Puedes mezclar pinceles diferentes, y crear comportamientos, según inclinación, velocidad, tamaño, etc.. y a partir de estos, crear más.. En la imagen, estoy usando una modificación de óleo, que tiene buen nivel de combinación, según fondo. Nota como el mismo pincel, puede pintar, o mezclar. Simplemente cambiando un parámetro (la resaturación). Eso vuelve muy flexible el pintar, y es algo de lo que carece Photoshop.. aunque, bueno, a pesar de las similitudes, creo que son softwares distintos.
¡Ah! Soy esclavo del pin-up.. justo como muchos aspirantes a ilustradores. Al ser una mecánica rápida de una página.. vaya; no dibujé fondo. Pero reconozco que es algo malo, pues un personaje debe estar contextualizado visualmente. En fin, para esos fondos ladinos y efímeros; texturas.
¿Cómo?
He coleccionado pinceles de muchos lugares.. pero el principio es el mismo en éste caso. Ya sea que encuentres el pincel, o que lo hagas.. para generar texturas, lo mejor es obtener el pincel mismo de una textura. Ya sea que la dibujes de forma tradicional o digital; trata de que sea simple.. pues al tener parámetros de repetición, rotación, etc.. creará figuras nuevas en cada trazo. Justo como ves en la imagen, es bueno procurar que los pinceles tengan sensibilidad a la presión; variando tamaño y/o opacidad.
La ilustración va tomando forma, es tiempo de darle el tratamiento lumínico. Esto es justificar los colores de la imagen según el ambiente en el que se sitúa el personaje.
¿Cómo?
Existen también, varias formas. Desde filtrar algún color, o añadir una textura ajena.. pintar cada color directamente. Una forma que me gusta bastante, es usar Curvas. Es parecido al manejo del histograma que vimos antes, solo que ahora se modifica cada canal en la imagen. Por ejemplo en la ilustración de Ahsoka; RGB.
Se enfatiza de forma muy contundente el espectro del color en la imagen; sustrayendo de los canales complementarios al añadir contraste. Es decir, si aumenta el canal R.. disminuyen en esa proporción los canales G y B. Esto también ayuda a controlar el efecto de Dot Gain en impresos: eso ocurre cuando la imagen se emplasta, y los colores oscuros se pierden y parecieran negros o muy oscuros.
Conforme manejes las curvas de cada canal, podrás descubrir nuevas formas de controlar el color y las condiciones lumínicas de la imagen. Al ser un filtro.. puedes pasarlo a otros personajes, otros fondos, otros archivos, y siempre aplicará los mismos efectos, ayudando a dar coherencia cromática a los proyectos.
En general, la imagen estaba muy oscura.. por lo que ahora se añadieron luces, tanto generales como en detalles muy pequeños. No puedo mentirte y decirte que fue planeado.. pero también es cierto que hay una intención en esa forma de tratar la luz. Me explico.. La intención del claro-oscuro, es revelar la silueta de los elementos en composición. Generalmente, al pintar; si comienzas con las sombras.. las luces se vuelven los detalles para finalizar. Y por el contrario, como en las técnicas aguadas donde se conserva el blanco del sustrato.. pintas la sombra porque la luz ya está en el papel. Cuando al avanzar en esta ilustración, me dí cuenta que la imagen estaba quedando oscura... lo que siguió fue revelar los detalles de luz. Accidente no planeado.
¿Cómo?
Para los elementos particulares y de mucho detalle, utilizo éste tipo de pinceles. Lo importante es que sean sensibles a la presión, y con figuras redondas que permitan controlar los degradados. Los trazos van a lo largo de los bordes, relieves o elementos que se distingan y que probablemente reflejen (o refracten) más luz.
Para los elementos en general y grandes áreas de luz, uso los pinceles suaves, con amplio rango en degradado. Generalmente los trazos son de poca opacidad (casi siempre con Linear Dodge) y sin restringirlos.. a veces algún trazo saldrá del límite de la silueta; creando halos en las figuras.
Es tiempo de revisar los detalles, pues nos acercamos al final de la ilustración. Y uno de los puntos importantes es integrar las nuevas luces que aplicamos a la figura.
¿Cómo?
Nuevamente usamos Curvas. Definiendo por completo la intención lumínica y cromática del personaje. Soy algo recurrente a éstas curvas.. R alto.. subiendo ampliamente para que sea el color dominante. G bajo, pues quita calidez al color.. Excepto en luces (que es el lado superior derecho), para que los puntos de más luz, se acerquen más al blanco. Finalmente en B, nota como la curva sube del lado de la sombra (inferior izquierdo), pero baja del lado de la luz.
El resultado final es la siguiente imagen. El tiempo total de realización (incluyendo el dibujo en opalina) fue de aproximadamente 6 horas.
Espero que te pareciera interesante el tema, nos leémos la próxima semana. ¡Dibujar es conocerse!
Valerio Vega. Creando ilustraciones y cómics que brillan. Al igual que todos, tiene su propia teoría de lo que pasó en Inception.
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